Vanguardias del siglo XX: Expresionismo, Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Vorticismo, Rayonismo, Dadaísmo, Naif, Surrealismo y Pop Art.

El vanguardismo se refiere a las personas o las obras que son experimentales o innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura y la política. El vanguardismo representa un empuje de los límites de lo que se acepta como norma, sobre todo en el ámbito cultural. 

Estos movimientos artísticos renovadores se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX, desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo.

Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.

Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, suprematismo, rayonismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes:

• La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación;
• Audacia y libertad de la forma.
• El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras.
• En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.

El Expresionismo 1905-1913

El expresionismo fue una corriente pictórica que nació como movimiento a principios del siglo XX, en Alemania y que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera.

Se aglutinó en la década de 1910 en torno a dos grupos: 

• Die Brücke (El puente) formado por Ernst Kirchner y Emil Nolde. 
• Der Blaue Reiter (El jinete azul) formado por Vasily Kandinsky, Franz Marc y Paul Klee en Munich.
• Paralelamente desarrolló su actividad en Viena el grupo de la Secesión, que integraron entre otros Gustav Klimt, Oskar Kokoschka y Egon Schiele.

Die Brüke, El puente. Expresionismo alemán.

 

 Franz Marc. Fundador del jinete azul, Der Blaue Reiter.

 

La Secesión. Expresionismo. Gustav Klimt.

 

Entre los principios de esta corriente artística se señala la reconstrucción de la realidad.  Pretende expresar filias y fobias del ser humano y por lo tanto, no requiere de una buena técnica ni de un resultado estéticamente bello.

Plantearía que lo real no es fundamentalmente aquello que vemos en lo exterior, sino aquello que surge en nuestra interioridad cuando vemos, percibimos, intuimos o producimos algo.

El Fauvismo 1904-1908

El fauvismo fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904 y 1908, aproximadamente.

El Fauvismo aboga por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte

Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad

en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo

intenta pintar con la mente. Su representante máximo es principales Henri Matisse.

 

El Cubismo 1906-1914

El cubismo nació en Francia en 1906. Sus principales rasgos son la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, sustitución de lo sentimental por el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas.  Es 
capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro. 
Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia, nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Los inspiradores del movimiento fueron Pablo Picasso y Georges Braque. Algunos de los principales maestros fueron Juan Gris, María Blanchard, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad Paul Cézanne ya habría marcado el camino.

Picasso

 

Georges Braque

 

Juan Gris

 

Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente la descomposición de las imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra.

El futurismo 1909-1914

El primer manifiesto futurista se publica en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de  las cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia.

 Se esfuerzan en representar secuencias momentáneas, casi como instantáneas fotográficas, fenómenos en simultaneidad, con gran dinamismo. La obra de Giacomo Balla “Dinamismo de un perro con correa” es un perfecto ejemplo.

Utilizan técnicas puntillistas y colores neoimpresionistas y las temáticas de todos ellos son similares, basadas en el dinamismo y el movimiento, la metrópolis caótica y el trabajo.

Buscan una audiencia masiva, tratan de difundirse con técnicas publicitarias y se identifican decididamente con la modernidad, y los signos que según ellos las distinguen: la velocidad, la máquina y el movimiento hasta la violencia.

Sus mayores exponentes fueron Humberto Boccioni, Gino Severino y  Giacomo Balla.

El vorticismo

Movimiento vanguardista británico, de corta vida, surgido en 1914 y vinculado con el futurismo, aunque también incluye elementos del cubismo y del expresionismo.

El término “vortex” alude a las teorías de Boccioni, que afirma que el arte encuentra su fuente en el vortex de las emociones. Las exposiciones futuristas de Londres, en 1912 y 1913, así como también la llegada de Marinetti, activarán la formación del movimiento, que se entusiasma a su vez por las máquinas, la velocidad, y los esparcimientos populares.

El vorticista es el elemento dinámico que cambiará o modernizará las ideas tradicionales de la sociedad inglesa, al igual que un vórtice (de aquí vorticismo), o torbellino, destruye o trastorna todo lo que encuentra a su paso.

El vorticismo fue más agresivo en tono que el futurismo, glorificando al máximo la edad de la máquina, y produciendo un arte más contundente, viril y agresivo.

Se caracteriza por las formas abstractas angulosas y por las figuras humanas crípticas que semejan máquinas o robots.

La figura central del movimiento, tanto desde el punto de vista teórico como artístico, fue el pintor y novelista Wyndham Lewis y los pintores William Roberts  y Edward Wadsworth .

 

 

 

El Rayonismo 1909-1914

Movimiento de vanguardia que se desarrolla en Rusia. Creado por Larionov y Gontcharova en su “Manifiesto del Rayonismo” (1913) la idea era propugnar una pintura libre de los planteamientos tradicionales que conservando el estímulo de la vida real, pudiera llegar a ser por si misma. Esto les lleva a desarrollar una pintura que el poeta V. Maiakovski definió como “la interpretación cubista del impresionismo”.

Este estilo se caracteriza por la ausencia de figuración, todo es abstracción dinámica y lineal basada en la luz y el color.

La estructura compositiva de las obras siguen esquemas radiantes a base de turbulencias, estrías o haces de color que cruzan y entrecruzan la superficie del lienzo y que en ocasiones se descomponen según los colores del espectro prismático.

Hay un intento de expresar un nuevo concepto de espacio en el que quede reflejado el dinamismo o energía inherente a los cuerpos, el tiempo y la luz.

   

El Dadaísmo 1916-1922

El más radical y agresivo de los -ismos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Hugo Ball y Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario).

 Tristan Tzara

 

Posteriormente, nació el dadaísmo norteamericano en Nueva York con Francis Picabia y el francés Marcel Duchamp.

Francis Picabia

 

Pintura Naif

La denominación naif (del francés naïf, 'ingenuo') se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.

Concepto. El concepto naíf, del francés naïf, alude no sólo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático por lo que podríamos decir que los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin atenerse a ninguna norma. 

En este sentido lo naíf puede estar dado por dos motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ignorancia ("ingenuidad") respecto a las técnicas y teorías para realizar obras de arte y en segundo lugar por una búsqueda (consciente o no) de formas de expresión que evocan a la infancia y en tal caso la sencillez aparente es un elaborado esfuerzo de evocaciones. 

En el segundo de los casos, para que el naïf sea auténtico la intención prístina ha de ser precisamente expresar formalmente lo que evoque a una infancia supuestamente ingenua. Este punto es clave: un arte pseudonaíf revela un objetivo materialista comercial dedicado a un público-meta que puede ser potencial comprador.

Motivo.  Aunque el genuino naíf por definición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión, representados siempre con gran imaginación y vivacidad. Por extensión suele darse impropiamente el nombre de "arte naïf" a aquel en que intencionadamente se emulan aspectos del arte naíf propiamente dicho (el arte espontáneamente ingenuo).

Henri Rousseau (1844-1910)

Es el principal representante de este grupo. En Rousseau parece reunirse todo el arte naif. Fue conocido con el sobrenombre de "el aduanero" debido a su trabajo en la oficina de Aduanas de París. Aunque esta era su ocupación oficial, su verdadera pasión era la pintura, a la que se volcará por completo una vez que en 1983 se jubila.

El Surrealismo 1924-1939

El Surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en torno a la personalidad del poeta André Breton.

Al principio el surrealismo es un movimiento fundamentalmente literario, y hasta un poco más tarde no producirá grandes resultados en las artes plásticas.

Surge un concepto fundamental, el automatismo, basado en una especie de dictado mágico, procedente del inconsciente. Para los surrealistas el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El surrealismo propone trasladar las imágenes del subconsciente al mundo del arte, sin la intromisión censora de la conciencia. La producción surrealista se caracterizó por una vocación libertaria sin límites y la exaltación de los procesos oníricos, del humor corrosivo y de la pasión erótica, concebidos como armas de lucha contra la tradición cultural burguesa.

El surrealismo extendió el principio del collage al ensamblaje de objetos incongruentes.

Max Ernst. inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera)

 

Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado.

Entre los artistas plásticos hay una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas abstractos, que se decantan por la aplicación del automatismo puro (como André Masson o Joan Miró); y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre ellos René Magritte, Paul Delvaux, o Salvador Dalí, que se sirven de un realismo minucioso y de medios técnicos tradicionales, pero que se apartan de la pintura tradicional por la inusitada asociación de objetos, las monstruosas deformaciones, la atmósfera onírica y delirante que se desprende de sus obras.

Abstracción

Pintura abstracta. Del latín abstractus, abstracto es algo que no tiene intención de representar cosas o seres concretos, sino que sólo atiende a cuestiones como la forma, la estructura o el color.

Se conoce como arte abstracto a la manifestación que acentúa aspectos cromáticos, estructurales o formales, sin prestar atención a la imitación material de la realidad. La pintura abstracta, por lo tanto, es la rama pictórica del arte abstracto.

Lo opuesto a la pintura abstracta es la pintura figurativa, que pretende representar imágenes reconocibles. La pintura abstracta, en cambio, apuesta a generar sensaciones desde las formas y no desde la imitación de lo real.

Las primeras manifestaciones abstractas surgieron a comienzos del siglo XX, de la mano de artistas como Wassily Kandinsky y Umberto Boccioni. 

Primera acuarela abstracata, de Kandinsky

Existen numerosas corrientes estilísticas dentro del arte abstracto, como la abstracción lírica, la abstracción sintética y la abstracción geométrica.

No hay que olvidar otros artistas abstractos como sería el caso de Joan Miró

Piet Mondrianed 

 Jean-Michel Atlan

Erik Ortvad 

 

Sam Francis

 

Pop Art. Segunda Vanguardia.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y en los Estados Unidos, con diferentes motivaciones.
El arte pop o Pop Art, fue un importante movimiento artístico del siglo XX.  Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Linchestein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney.

Ejemplos de Art Pop

Andy Warhol

Andy Warhol, fue un pintor, grabador y director de cine que fue una figura destacada en el movimiento de arte visual conocido como el arte pop. Después de una exitosa carrera como ilustrador comercial, Warhol se convirtió en mundialmente famoso por su trabajo como pintor, cineasta de vanguardia, productor, escritor y miembro de los círculos sociales muy diversos que incluyen la gente bohemia de la calle, destacados intelectuales, celebridades de Hollywood y los ricos los clientes. Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y películas y documentales. Él acuñó la expresión utilizada "15 minutos de fama." En su ciudad natal de Pittsburgh, Pennsylvania, El Museo Andy Warhol existe en la memoria de su vida y obras de arte. El precio más alto jamás pagado por una pintura de Warhol es de $ 100 millones para un lienzo de 1963 titulado Ocho Elvis. " $ 100 millones es un precio de referencia que sólo Jackson Pollock, Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Renoir Pierre-agosto, Gustav Klimt y Willem de Kooning han logrado.

Artistas notables

Billy Apple

  

Orolando Sarmient

 

Sir Peter Blake

 

 

Derek Boshier

 

Patrick Caulfield

   

Alan D’Arcangelo

   

Jim Dine

   

William Eggleston

   

Erró

 

Pintores tratados individualmente dentro de los movimientos vanguardistas

Expresionismo

• Edvard Munch
• Gustav Klimt
• Paul Klee. Representante del simbolismo.
• Paul Klee para niños

Fauvismo
Cubismo

• Pablo Picasso
• Pablo Picasso para niños

Futurismo
Vorticismo
Rayonismo
Dadaísmo
Naif
Surrealismo
Pop Art

• Andy Warhol